抖音的崛起，或者说抖音为什么让人沉迷，与当年洗脑神曲火遍大街小巷的方式其实没什么区别。抖音挖掘和传播音乐的能力是惊人的，不论是流行音乐、土味情歌，一路上“神曲”频出，被音乐行业视为“爆款制造机”。

那些爆款曲目大多数符合认知科学家马修·舒金德（Matthew Schulkind）对洗脑神曲的音乐结构研究：音程相对较短，旋律简单重复，并辅以诸如超重低音或怪异的节拍等元素，令人产生某种新奇感。这种创造在音乐上有个专门的术语，叫做“模进”。它有一种让人“不停地翻、停不下来”的魔力，这种强迫症式的行为方式，又与音乐对人的影响不谋而合。

所以，与其说抖音的崛起是短视频“模式”的胜利，毋宁说它只是把洗脑神曲的逻辑又搬了回来，是音乐的胜利。那么，我们的主题公园如何最大程度利用好音乐，让游客乐以忘忧、流连忘返呢？

去过迪士尼主题公园的人，一定还对园内不断盘旋的活泼音乐旋律留有印象吧，说不定你还会哼哼某些歌曲的调调。这些主题音乐，就像电影的原声一样，和迪士尼乐园里的项目、景观以及演职人员共同组成了完整的迪士尼体验服务，即使在你游玩结束之后，也不会很快把它淡忘。主题音乐的作用就在于它可以引导游客的心情，在此基础上改善游客对主题公园的感知。

没有人比迪士尼更了解音乐的重要性。尽管《冰雪奇缘》电影在票房上取得了惊人的成绩，但它最成功的部分还是歌曲《Let It Go》。在上映后的一年时间里，这部电影的经典原声带在全球卖出了四百万张，主打歌曲成为了白金唱片。

达伦·乌尔默(Daren Ulmer)曾担任迪士尼乐园的音乐经理。他认为《冰雪奇缘》是将娱乐设计价值融入到背景环境中。

乌尔默说：“迪士尼的音乐可以说是公司最大的资产之一。《冰雪奇缘》的价值和对公司的影响远远超过其电影本身的收入。如果没有像这样的成功的属性，公园的项目景点就无法长久存在；没有音乐，这些景点就缺失了意义。是它让景点走的更长远。”他还说：“音乐是迪士尼核心DNA的一部分，迪士尼拥有无与伦比的资产库——所有的东西都有一首歌。”

丹·斯坦珀（Dan Stamper）是迪士尼的高级音乐制作人，他的工作职责是组建一支音乐专项团队“负责制作所有的声音”，包括巡游、舞台表演、烟花表演、见面会、背景音乐、配音和视频配乐。“最重要的一点是歌曲必须要简单，能朗朗上口，但又要足够丰富，能不受任何潮流影响而流传下去。这些歌曲可以超越、跳脱出音乐作品本身，拥有自己的生命，甚至与其他生命相联系。”斯坦珀说。

那些没有歌词的配乐为何也能吸引人呢？或许那些纯音乐并没有非常热门，但它们对打造卓越的游客体验而言同样至关重要。音乐制作人乔恩·贝克指出：“如今我们生活在世界村中，世界在不断变小，一些故事便不能完全只由语言来讲述。来自世界各地的客人越来越多，公园和景点也在很多非英语国家建立起来，因此，我们有责任以非语言方式来讲故事。而声音和音乐的设计对讲故事和建立情感联系非常有帮助。你需要做到当去掉对话或叙述时，客人仍然能够理解故事。

音乐制作人在景点设计中扮演什么角色？他们如何平衡技术与创意？

乔恩·贝克是一位音乐制作人、词曲作家，从环球影城到肯尼迪航天中心都有他的作品。

音乐制作人参与工作的进程越早开始越好——无论是技术上还是创意上。贝克说：“尽早让音乐/音频制作人参与进来，不仅对项目的创意需求很重要，而且对确保声音系统的设计能足以支持创意视觉的音频部分也很重要。”

一个音乐制作人负责的任务很多，包括从歌曲初创和创意列表到填词谱曲的所有内容。贝克经常在他的电脑上制作演示，然后与现场音乐家们一起编排和录制小样。一旦客户认可了小样，他就会负责监督从编排、表演、录制和混合等工作。

一旦后期制作开始，最终的作品无论是巡游歌曲、黑暗骑乘配乐，还是电影配乐都必须组装完成，为最终现场混合做好准备。

音乐在塑造主题公园的体验过程中起着至关重要的作用，它与灯光、景观环境、服装等元素相协调，共同映衬主题。乌尔默认为主题公园音乐可分为三种。

1、背景或区域性音乐 

这有助于营造气氛和过渡情节。例如，在迪士尼乐园里，你会发现当你从一个区域走到另一个区域时，所听到的音乐在随之发生着微妙的变化。

乌尔默说：“如果在这一点上做得很好，区域音乐就会像视觉效果一样，不会被人特别注意到。它本就不该引起人们的注意，而是以一种潜在的方式将你置于一个时间和地点的瞬间。区域音乐也是一种线路图，给予客人一种特定的自然又真实的感觉。”

2、景点设施音乐 

景点设施音乐的作用主要是将一个特定的故事带到生活中。乌尔默举例说：“如果你把‘Yo Ho’换成一首Hans Zimmer（著名配乐家）的音乐，加勒比海盗就会突然变阴冷黑暗。在‘Yo Ho’的配乐中，那些有醉酒的坏蛋们存在的场景令人喜爱。幽魂鬼屋项目的情况也类似，‘Grim Grinning Ghosts’很好的缓解了紧张的气氛，让鬼怪看起来更蠢萌而不是吓人。

与优秀的电影配乐一样，景点设施音乐应该穿插在故事中，帮助客人们了解如何去感受。它是一种指导原则，有时是起到辅助作用的配角，有时由它驱动整个体验，比如像《夺宝奇兵》那样刺激的骑行中。

3、演出音乐

演出音乐在巡游、烟火表演、舞台表演和其他现场表演中使用。这种类型的音乐主要在演出前景中播放，是故事的关键驱动元素。最典型的例子就是迪士尼的Main Street Electrical Parade夜间巡游，它拥有华丽的灯光效果，但如果失去熟悉的背景音乐，它的活力就会大打折扣。

对于演出音乐而言，需要牢记的重要因素是规模。即使是在迪士尼环境中，成功的音乐依然要明确的把握‘量’的大小。斯坦珀强调：“我们必须小心，不要总是让音乐听起来比生命更磅礴。虽然人们期望中的迪士尼声音是由大规模管弦乐队和合唱团组成，但有时候你只需要一个Acapella（无伴奏合唱）或由一根笛子奏出的旋律。”

巡游音乐是最具挑战性和技术要求的景点。这也是一个很好的透视镜，通过它来检验创造力，技术能力，以及在现场活动成功运用音乐所需要的细节处理能力。

巡游音乐由背景音乐和前景音乐组成。其中，前景音乐来自于花车自身，这增加了背景音乐的变化。从技术的角度来看，巡游通常需要生成多个同步音轨来实现背景和前景音乐的相互衬托作用。

在巡游方面，或许没有人比唐·多尔西（Don Dorsey）更有发言权了。多尔西早在20世纪70年代就开始从事巡游方面工作，包括打造迪士尼的Main Street Electrical巡游。

迪士尼Electrical Main Street巡游

多尔西描述了创造既能环绕着观众又伴随花车在环境中移动的巡游音乐的重要性。“观众们期待视觉和听觉相互呼应的生动体验。音乐会和电影提供了‘比生命更滂沱’的体验，而没有强化声音的巡游似乎只是‘真人’大小，略显平凡暗淡。因此，为了能够达到人们的预期，我们创造出能提供沉浸体验的巡游声音。”多尔西说。

设计巡游路线和思考表演位置是让巡游体验走向正确轨道的重要部分，正如多尔西多描述的：“在我看来，巡游路线有点像电影院的多厅影院。很多影院都会在多个影厅放映同一部影片，而巡游队伍到达每个区域就像多个影厅在不同时间放映同一部电影。协调巡游队伍意味着要对何时何地发生的事情有一个全面的协同认识，并提前绘制地图。”

迪士尼Electrical Main Street巡游

音响系统的技术布局在这一过程中起着至关重要的作用。除了将巡游路线描绘成一系列的影院剧场外，系统还必须使用由数以百计的扬声器组成的网络，这些扬声器通过音频路由和队列系统控制激活。巡游的整体设计理念，就是对最微小的细节坚定的保持关注。

巡游中最大的难题就是对时间的完美掌控。多尔西说：“巡游协同的每个方面都与一个关键的时间组成部分相关，必须理解和管理它们。如果循环音乐太短，客人们就会反复听到同样的声音；而时间太长，他们又永远无法观赏完整。这与花车的运行速度和连贯性有关。太快，客人无法充分欣赏视觉设计；太慢，他们可能会为总是需要等待下一辆车而失望。

设计时也面临着同样的难题，他们需要在其他的参观体验中设置音乐。乌尔默认为，最重要的因素之一是怀旧。“如果一首主题音乐想要获得成功，它需要抓住观众的怀旧之情。为了激发怀旧感，主题音乐需要快速的和观众建立联系，这样当最终时刻到来时，音乐才能达到最佳效果。”他解释道。

《超越国界（Beyond All Boundaries）》宣传海报

在为二战国家博物馆开发的‘超越国界’（Beyond All Boundaries）电影体验中，乌尔默想要使用一段强烈的旋律，能够快速的在游客心中奠定基调。“主题音乐以步入式展现在预演环节和电影初始阶段，这样在电影结尾时便触发了回忆和怀旧感。”乌尔默说。

当客人们走进等候区时，背景音乐是20世纪40年代的广播音乐，这是观众与这首主题曲的第一次接触。在客人们还没有意识到他们所听到是主题音乐之前，便已经相互接触了。主题音乐作为一种精心设计的空间结构，在不同的空间中传播，并引导出最终的结局。

下一次当你参观一个熟悉的景区、景点时，试着把耳朵堵住几秒看是什么感觉。视觉效果或许仍然能够精彩的讲述故事，但如果没有配乐的起伏，这种吸引力就会缺乏深度和戏剧性。视觉技术总是在不断发展，更新换代频繁，但好的音乐设计的基本原理永远不会改变。在一天的旅程结束时你可能不记得所有歌词或音乐小节，但你会记得它们给你的感觉。

当然前提是这里拥有好的主题音乐，如果景区、乐园里播放的只是简单筛选的流行音乐，可能是否堵住耳朵带来的效果并不明显。

好的主题音乐不仅可以帮助故事变的更完整，甚至能在语言不通时仍然让客人理解你所讲述的故事。