“一周音乐指南”的第12期，希望对这三个月以来所听到的音乐做一个总结。这也会成为之后的固定栏目，每12期/三个月，将会有一次总结与回顾。

这一期则是对5-7月的盘点。

【华语推荐】

5. 詹小栎 – 似是而非

詹小栎做音乐的长处在于她对音乐风格的把控能力，从雷鬼到Hip-hop，从摇滚到Funk，从世界音乐到Jazz，她做什么风格玩什么元素都能像那么回事，都能带出曲风原本的纯正气味，从而自带复古与经典气息。这得益于她对西方音乐扎实的学习与深入的理解。她知道如何剪裁音乐素材，使专辑通篇流畅有趣。这张专辑出色的音乐性，放在当下根源意识薄弱的华语乐坛，显得弥足珍贵。

推荐：失物之书，卟啉卟啉，雪国恋人

4. 曾轶可 – Anti！Yico

她写作这张专辑的初衷即从第三者的边缘处境出发，由此构建了一个如泥沼般黑暗，却依旧能闻到浪漫的血腥味道的残破世界。在《私奔》里她说尽了浪漫的幻想，在《三的颜色》里重重地跌在悬崖之下。

在摩登天空的操持下，众多国内乃至国际独立音乐人的加入，使整张专辑在制作上绝不含糊。黑暗的电声幕墙，沉重的电子节拍，压迫感强烈的合成器，一反之前的光明浪漫。开场曲《Need A Friend》浓厚的Dark Wave气质中甚至透着一股诡异的中世纪童谣味道，《同类》沉重的太空电声幕墙让人难以喘息，《私奔》又在暗夜中裹挟了一层Dream Pop的仙气，《午夜旅馆》把管弦乐交织成嚣张错乱的戏剧化呈现，《黑色的路》之中的小号段落宛如为爱情送葬，《I Need Love》的实验味道几乎就是一首St. Vincent手笔。

但曾轶可的演绎、创作与如此厚重的制作搭配时，多少还是会出现一时难以接受的情况。在听感上，她的声音常常被迫隐藏在编曲的背后成为几声微弱的叹息。加上她在这张专辑中的不少时刻里，旋律的流畅表达转换为了某种意境呈现而被弱化。在流行性上难免会受影响。

但如果她的目标是在表达黑暗与苦痛中深化她的艺术人格的话，这么做倒也无可厚非。把这张作品当成她的《reputation》也未尝不可。

推荐：三的颜色，私奔，Need A Friend

3. 陈粒 – 玩

没有了《如也》的青涩，没有了《小梦大半》的小心，没有了《在蓬莱》的孤高，她在《玩》里露出了她最自在的本色，她自如地流露出古灵精怪与多愁善感的多变情绪，玩得乐不可支，在浪荡不羁的唱腔与灵动矫捷的合成器中轻盈飞升。其中有着王菲玩惯的仙气缭绕京味dream-pop，也有趣味无限的synth-pop，还有《誓言》式的民歌influence。

国内真正能把Indie-pop玩出pop味的不多，要么苦大仇深要么粗糙至极，陈粒纠集了一个精良班底打造出的《玩》除了制作精良的丰富多彩之外，依然没有丢失她的私人表达，也算是对华语Indie-pop对一次重定义。

推荐：啊，空舞，望穿

2. 祁紫檀 – 她走路的姿势

一张在情感表达上能听到私人感与原创感的唱片。她在边缘行走的不仅仅是薄如蝉翼的声线，还有音乐中的黑暗凄清连同贫穷的夜色裹挟出的感性冲击力。尽管歌曲不时落至芭乐范畴又不时试图往Art Pop靠拢，但祁紫檀的演绎为这些歌曲赋予了一个难以磨灭的深情标签，甚至她从未想过煽情这件事，但她的冷淡背后的热情无形中就抱住了那个在深夜不知所措的灵魂。以态度与人格为音乐赋予高于音乐的审美价值的典型案例。

推荐：她走路的姿势，以你的名字呼唤，我有一把枪

1. 罗思容 – 落脚

在2015年，她的《多一个》就曾被我列为当年度的最佳。如今，她依旧传承着台湾民歌运动的灵魂。这位年过五十的画家、诗人、歌手，依旧保留着东方的神韵与多彩的诗歌之精华。只是这张专辑听来要更加沉重，更加根源，有趣的东西少了，深沉的东西多了，12首民谣截取了台湾的风土故事，听得见小岛的低吟也听得见小岛的哭泣。

荣誉提名

莫西子诗 – 月光白得很

故土情思融在fusion与诗歌的触碰里。

野外合作社 – 台风

阴暗颓废却恰恰是有政治意识的表现，在时代的下水道里告诉大家时代已经都沉在下水道里。

南瓜妮歌迷俱乐部  - 他我

不错的台位Indie-pop

许钧 – 事实上我没有名字

立志做一个会写诗的血性Bruce Springsteen

【欧美推荐】

10. Beach House - 7

专辑名言简意赅，《7》即是梦幻流行天团Beach House的第七张唱片。

大量失真噪音元素的加入，使这张唱片成为他们最黑暗深沉的作品。虽然不至于像My Bloody Valentine那么吵，但还是能听出Beach House有在往那个方向靠近的意思。只是Beach House的女主唱依旧保持着极为性冷淡而飘渺的梦幻流行式虚弱唱腔，整体的编曲构架除了些许“随机元素”的加入之外，并没有突破梦幻流行的构架，基本所有元素都能在上个世纪80年代找到。

或许正因为这股执拗的复古气息，才凸显他们的浪漫。他们想做的，无非是想让你远离一会这下水道般丑陋的现实。

9. Lily Allen – No Shame

要谴责这张专辑不够“进取”十足容易。即便是那些Reggae/Dancehall曲目，都没有过多创新意味，除了《Trigger Bang》借来了M.I.A的枪声玩了点新情调，《What You Waiting For？》里极为精炼地扔了点乐坛最流行的EDM与Reggae来了次联姻之外，在音乐元素上无甚新意。但她流畅的旋律与歌词创作能力从未缺席。

专辑歌曲分为两类。一类是她往日最擅长的曲目，在Reggae、Dancehall的松弛框架中轻佻横行。另一类歌曲则奠定了这张专辑的底色——一系列极为深沉、个人化的情感写就的抒情曲。二类歌曲在专辑中相互交叉。

那些细致入微的抒情曲围绕着她的多重身份展开——此刻的她是一个被抛下的妻子，是一个羞愧的母亲，是一个被朋友遗弃的孤家寡人，是一个身陷精神危机的病人……而后终结于无法解决的孤独感之中。

这张专辑最令人着迷的地方，或者说，让人觉得突破的地方，恰恰就在于那些私人化情感如此真实地从她的声音与笔触中奔涌而出。而当她表露出如此深切的自责自省时，当她确切地描绘出自己的感受时，当这些声音被我们聆听到时，她也在倾诉中与自我和解，最终在结尾几首歌中露出了明媚。

袒露脆弱所需要的勇气远多于怼天怼地所需要的勇气。

或许这也是为什么她给专辑起名为“No Shame”。她的坦诚代表着对自我的接纳，她敢于清晰地表露自己的脆弱、失败、孤独、一地鸡毛，无需感到一丝羞耻。最终，我们在这种真实中，感受到了她比以往都更为强大的力量。

8. Let’s Eat Grandma - I’m All Ears

来自英国的双人组合专辑的第二张专辑，一张披着未来感皮囊的青春系Synth-pop。在其中你可以听到Arca、SOPHIE等一众未来系电子实验音乐人的影响，同样能听到合成器与80年代Disco的温暖元素，因此整张专辑在未来感遨游时没有坠入到虚无的太空之中，反而站在了坚实的青少年情思之上。

7. Iceage - Beyondless

这个来自丹麦的乐队，主要风格是Post Punk，Beyondless是他们的第四张唱片。得益于更加精细的配器编排（管弦乐都能来几段）与更加丰富的元素（你甚至能听到爵士），这是他们最“好听”的一张专辑。但这并没有改变他们叛逆的情感内核。换句话说，音乐上的进化反而让他们的情感表达更加立体了。佳作。前提是你喜欢听Post Punk。

6. Snail Mail - Lush

在这张专辑中你可以听到许多独立女声的影子，Liz Phair的摇滚气味与Fiona Apple的黑暗消极从她充满情感表现力的创作力中透出来。她充满情感紧张度的演唱透着浓浓的人格魅力。专辑中最令人称道的是她的吉他编排，造诣令人称叹，色彩丰富，把她的创作搭出各种奇妙的情绪维度。《Heat Wave》中几个电吉他扫弦就仿佛让歌曲跨入一个新的发展段，不同音色的riff就像是情绪的映射。

她只有18岁，她的世界还充满疑问与未知，还充满着青春期的丧与愁。当这一切色彩从她的音乐中喷薄而出时，她倾泻的情绪是那么令人怅然。她把握到了Indie-rock里最吸引人的那种“艺术真实感”，用超出年龄的成熟把控，做出了一张艺术品。

5. the Carters – Everything Is Love

即便撇开文本，但从音乐角度来欣赏这张专辑，这张专辑也几乎代表了黑人Hip-hop音乐制作的最高水准。最好的歌手，最好的Rapper，最好的制作团队，最好的合作伙伴。最影响聆听的问题可能就是它的风格太Jay-Z了。黑人Hip-hop标签感过强，倒是让这张专辑并没有想象中的流行大作那么容易消化，甚至有些距离感。这可能会影响它的流行度，不会影响它的地位。

当然，由于过于“神话叙事”，通篇大都是关于金钱、地位、美好生活的描绘，可能存在真实感欠缺的问题。或者说，所谓你们要的人格真实感，他们已经在之前的作品中展露过了。这不是此处的主题。

《Everything Is Love》代表着二人的神格与人格的最终完整交融。这是由全世界两位最优秀的黑人艺术家用音乐书写的黑人希腊神话。他们如神一般行走，如神一般睥睨众生。在聆听的仰望之中，听众也分享了他们的荣光。

4. Oneohtrix Point Never - Age Of

上半年，在音乐上最具想象力的唱片之一。你可以听到如Arca一般的太空无意识探索，可以听到Bjork般的随机原生态情感，可以听到Frank Ocean般的细腻缠绵情愫，甚至可以听到洋溢着高贵与秩序美的巴洛克气息。但它们都被打散在飘忽的思绪里，成了感性的粉末。聆听这张专辑宛如在音乐人脑中经历着一场奇幻绮丽的探险，他的感触揉成片段袭来，却无意间让人没入一个极为深沉的意识领域，与他成为后现代的共谋。

功利点说，这甚至是一张能够迅速打开音乐视野的专辑。尽管路子略野。

3. Pusha T - DAYTONA

Diss了Drake，用了Whitney浴室的封面，这些都不是这张专辑的重点。当Kanye向着成熟版的Chance The Rapper飞去时，他把自己的Beautiful Dark Twisted Fantasy里的迷幻想象都给了Pusha T，甚至你还能在《If You Know You Know》、《Santeria》等曲目里听到Kanye以前的作品中相似的采样。Kanye的音乐建筑思维强迫症在专辑中一览无遗，一个个意象与采样的堆叠都仿佛是一幅繁复绘画上不可或缺的色彩。而Pusha T的表现也撑住了专辑中采样与制作的分量。佳作。

2. Courtney Barnett - Tell Me How You Really Feel

Courtney Barnett是我最欣赏的新生代创作女歌手，没有之一。如果说上一张专辑里的她有着尖锐的诗意和现实主义的笔触，那么到了这一张里，她尽可能把自己敏感的观察化成了某种丧气的关怀。开场曲《Hopefulessness》里，低沉的吉他与她阴郁的演唱，幽幽叹着“No one is born to hate…Take your broken heart, turn it into art…You know it's okay to have a bad day”，她不断观照着残酷的现实，又不断地与之宽慰和解，又不断地在结尾的Garage爆炸中迸射着自己的愤怒情绪。

尽管专辑中也有像《City Looks Pretty》这样延续上一张专辑批判城市精神的歌，但总体都更为躁郁有力。她的成长可不仅仅体现在像《Nameless, Faceless》这样更加纯熟的编曲层次上，更体现在她一如即往的细腻与敏锐上。在我情绪濒临崩溃的黑暗时刻，她仿佛从更黑的角落走来，递给我一支镇静剂。

或许这张专辑的另一个名字本该是“take your broken heart, turn it into art”。

1.Parquet Courts – Wide Awake!

今年摇滚乐的扛把子，把Funk元素与Punk精神多元拼贴般融汇在专辑中，我们可以听到他的愤怒叛逆中带着某种Funk的推进感与俏皮气味，妙趣横生又有态度，几乎就是一张经典摇滚专辑该有的样子。

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