前天和高中时代的几位好朋友聊到了「在线课程是否适合应用到音乐教育领域」。

（这里有一个拓展阅读：MASTERCLASS；https://www.masterclass.com/）

（遗憾的是，我也是才发现，无法在微信公众号文章中添加自定义引用链接。这个糟糕的设计让微信在一个事实上的（de facto）以GFW为边界的局域网内构架出了另一个规模更小，同时无趣庸俗反智程度更高的局域网。）

我们的观点是，对于Herbie Hancock、Hans Zimmer和Carlos Santana等（是的，他们在MASTERCLASS上都开设了课程，甚至还有Stephen Curry教你如何投篮）之类的业界大师所开设的几无交互的视频课程，所能学习到东西更多的还是在思想方面，有类似启蒙开智的意义在里头。

而对于零基础初学者的乐器学习，即便有大师开设对应的课程，实际效果不如在线下向普通的音乐老师一对一的教学。不论进阶者。

（有意思的地方在于，除了Hans Zimmer外，上述两位的课程也并非是乐器学习。分别是：teaches jazz和teaches the art and soul of guitar。当然我也看到有Christina Aguilera teaches singing。）

（不允许添加自定义链接最直接的作恶点：需要用到大量破坏文章结构的括号来代替自定义引用链接的作用。）

（这里再次就作恶一词引用Google的motto，Don't be evil）

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相较戏剧、电影等其他的表演艺术形式，在是否需要「交互」这一点上，音乐显得有些暧昧不清。

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在戏剧中，我们对舞台就结构上做了一些区分。比较传统的是镜框式舞台，大多数中大型剧场都是这种设计。

这种设计使得观众区和表演区之间好像有一堵「第四面墙」，这堵墙在观众区看来是透明的，观众可以直接看到舞台上发生的一切。同时在这个角度，舞台也可视作为一个封闭的场景。而在表演区看来，这堵墙其实是不透明的，演员在舞台上进行自闭的表演。

除此之外还有伸展式舞台（舞台的两侧和台口都面对观众，有台幕）、中心式舞台（连台幕都没有）、黑箱剧院。

这是一个非常简单粗暴的区分方法。其实，事实是从最初的古希腊戏剧一直到现在，舞台的结构一直都在发展。其中也牵涉到了包括建筑（剧院和舞台的搭建）、数学（计算透视）等其他学科的发展。

「第四面墙」的理论最早由狄德罗提出，由于他启蒙运动思想家的身份，在提出这个理论时，更多的是在哲学层面上的内容。并且当时的戏剧主要集中在英雄史诗的主题，对于这一主题的戏剧，「第四面墙」存在与否的意义其实并不大。

差不多到18世纪末的时候，戏剧的主题从帝王将相转变到了资产阶级甚至是普通民众上，布景也相应更多地转到了室内。经过这些转变，「第四面墙」被戏剧中的现实主义运动再次提出。

最初打破第四面墙的目的是为了创造一种喜剧性的效果，这一用法至今在儿童向的喜剧中还被广泛沿用。比方说，上一次我去迪士尼的时候，因为实在是没有项目可以玩，就跑去看了冰雪奇缘的舞台剧。在剧中演员对着台下的小朋友看到“请和我们一起欢呼”。

而后随着戏剧理论的越加坚实，「第四面墙」的理论被广泛接受，以及…是的，也开始被广泛地打破。

和电影所不一样的地方在于，在舞台上「第四面墙」事实上并不存在，在观众和戏剧演员的交流上没有任何物理的阻碍。

以至于戏剧发展至今，与其说是「交互」，更不如说是非常跨越地，观众已经参与到了戏剧本身之中。一方面是各大戏剧节在各演出之间穿插着的“街头露天表演”，另一方面则是以“Sleep No More”为代表的沉浸式剧场（Immersive/Interactive Theatre）。

在这一类沉浸式剧场中，完全没有「舞台」的存在。观众可以自由地在表演场地内走动，就意味着观众无法抽离于故事之外，甚至有时可以参与演出。

另一个比较大的变化点，我一直有「戏剧演员表演时通常都用力过猛」的感觉。推测原因大概率是舞台和观众席通常离得要有10米开外。考虑到如此远的观看距离，演员必须大声地念台词、用力摆动肢体。然而在沉浸式剧场中，由于观众可以自由地走到演员旁，颇有电影中close up的意味。这种「交互」也改变了戏剧演员表演的方式。

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「第四面墙」自然也存在于电影中，但由于银幕的存在，使得去打破这面墙不像戏剧那么有着天然优势。

最常见的打破第四面墙的实例是在Woody Allen的Annie Hall和The Purple Rose of Cairo；流行文化下的电影中，则是死侍。

我甚至有些武断地将早年卓别林和Buster Keaton的电影中，他俩对着摄影机挤眉弄眼的表情也视作是一种打破第四面墙的先例。

因为物理上的阻碍，电影观众无法像戏剧观众那样直接地和演员互动。然而由于被打破的第四面墙、以及像是IMAX和4D电影等放映技术的不断提高，电影艺术对于和观众「交互」这一点上的态度不言自明。

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说回到音乐。

有一个长久以来一直困惑我的问题。现场和唱片，究竟哪个是真正的音乐？往更细致的层面说，现场、唱片和随手可得的数字音乐，究竟哪个是真正的音乐？

在录音手段被创造出来之前，现场是唯一可以听到音乐的方式。但听众无法在演出时企图与乐手沟通，这就好比在那个时点上，乐手的语言是音乐，听众所使用的语言是人类的自然语言。语言不通，自然有着无法交流的疏离感。

（当然在，尤其是爵士乐中，有call and response的技巧，但也只是乐手之间的「交互」。）

比较有代表性的拒绝「交互」的乐手是会大声呵斥观众咳嗽声的Keith Jarrett。我看过一些Keith Jarrett的现场录像，他自己呢和不少爵士乐钢琴手一样，在弹奏时会发出比较明显的呻吟声。嗯，就是“我可以呻吟，你不可以咳嗽”。

（这里是玩笑，我非常喜欢Keith Jarrett）

在唱片这样奇妙并将造成我终生财务不自由的东西被发明出来之后，听音乐的方式有了更多的选择。我比较认同的方式是，专注地去听，同时在听的过程中翻看唱片封面、封底以及内页。如同唱片承载着音乐本身一样，这些信息承载着封面设计（通常也暗含乐手的音乐主张）、乐队成员名单、录音乐地点以及日期、介绍（例如Bill Evans在Kind of Blue封底写的介绍）。诚然这些信息并不是对所有人都重要，如同不是每个人都需要知道这部小说的作者是谁、这部电影的导演和摄影又分别是谁。抛开收集这一要素不说，唱片本身促使着听众去更加专注地听音乐，而非像数字音乐那样大概率变成了“我现在要干活，但是我想听到一些声音，那就来听听音乐吧”。

无论对于哪种方式，「交互」这个动作似乎都很少存在于音乐的表现之中。