尽管新专口碑毁誉参半，但谁都不能否认，《÷》是2017年全球范围内热度最高的一张流行专辑。如果说《×》可以看作Ed Sheeran×各种制作人=对不同音乐风格的积极尝试和探索；那么《÷》则是化繁为简，追本溯源，发现音乐的本貌，用相对简单的东西去打动人心。

《÷》中的最大亮点，就是黄老板对家乡凯尔特音乐的运用，无论是主打歌《Castle on the Hill》《Galway Girl》，还是豪华版的《Nancy Mulligan》都是大不列颠传统文化与现代文化的交汇与传承。这三首歌完成了专辑在音乐形式上追本溯源的主线，略显遗憾的是，黄老板只是浅尝辄止，并没有把故乡传统音乐再过详细的展开表述或者实验性的解构重组，这也多少影响到了专辑在音乐上的格局与深度。

除了主打歌《Shape of You》，专辑中的大部分歌曲都是流行民谣和布鲁斯音乐，歌曲的主题除了传统的情歌，也有生活感触、追忆亲人、回归故乡等多样化的题材，也正是Ed Sheeran这种不忘初心、追寻生命中珍贵情感的内容成为了《÷》最打动人心的地方。

出道近20年，曾经与PINK同时代的Diva们不是Flop进淋逼就是处于半隐退状态，除了后期逆袭封神的逼神局Beyonce，粉妈却成为了仅有的发专依然大卖夺冠的中生代女Diva。

《Beautiful Trauma》是PINK结婚生子后五年来的第一张录音室专辑，这一次的粉妈相较过去温柔很多，她不再是当年那个乖张叛逆的摇滚女魔头，单从编曲的力度来讲，大部分歌曲甚至可以用沉稳来形容。专辑正如它的名字“Beautiful Trauma”一样，是一张用爱意与温柔化解仇恨与愤怒的作品，粉妈收起了她曾经愤怒的羽翼，用一种倾听的姿态和积极的态度来与这个世界沟通与和解。

众所周知，粉妈向来不屑与世面上那些整天只会谈情说爱的妖艳贱货们为伍，她的作品中总会探讨一些更深层次的社会问题。在这次的新专中，PINK既有表达对川普政府的不满，又涉及到恐怖袭击的问题，而在专辑中她也不吝惜描述自己婚后心态的变化，以及对感情生活的担忧。

但对于老歌迷而言，这张专辑的力度着实有所削弱，毕竟PINK这个名字一直都是流行乐坛“叛逆”与“摇滚”的代言人，一如她铿锵有力的嗓音，过去的粉妈可一直是力量型英雄。就像《Barbies》中唱到的“Now I've turn someone that I swore I never would be”，每个人都是在社会这个大染缸中逐渐变化，终有一天认不出自己最初的模样，那些“beautiful trauma”也许就是成长的代价吧。

其实早在前两张专辑时，Kelly的很多歌曲就已经表露出村姑姿态，但这次的《Meaning of Life》无疑是她在音乐性上最彻底、最纯粹、也是最精彩的一次。这张专辑虽然复古但并不村，而是主打Root Rock和Blues Rock这样上世纪七十年代的Old School曲风，而这次的Kelly明显不是蜻蜓点水的一带而过，而是整张专辑都复古得相当彻底，比如《Whole Lotta Woman》中精彩的Call & Response配合Horn的伴奏，简直让人梦回六七十年代的Motown。

在保持复古性的同时，Kelly也做出了一些可圈可点的新鲜尝试，比如《Go High》和《Didn't I》中用808鼓点做基底配合复古摇滚的主旋律；《Heat》用变音器做成的一个biabiabia音效的洗脑loop，成为了整张专辑的Highlight。

当然，Kelly的演唱能力向来不用怀疑，无论是她声音中的力量感和爆发力，还是歌曲音域跨度之大都足以让人闭嘴惊艳，作为当今为数不多的vocal系diva之一，Kelly的这张专辑是今年所有流行女歌手在演唱水准上最高的一张。

Charli小姐在今年发行了两张Mixtape，虽然没有正式专辑，但这两张Mixtape中的音乐可真心比如今大部分流行歌手的官宣辑有意思多了。譬如这张年末发行的Mixtape名字叫做“Pop 2”，但里面的内容着实跟市面上的流行音乐截然不同。

Charli这次找来了各种不同风格的音乐人，试图与他们碰撞出音乐上火花，这其中有和她同为13线的流行女歌手Carly Rae Jepsen、Tove Lo、MØ，更多的却是一些名不见经传的地下艺人，结果就是做出了今年流行乐坛味道最特别的一道菜，一张风格晦涩的另类流行专辑。整张专辑除了和朴宰范合作的《Unlock It》，其他歌曲基本抛弃了Charli曾经最拿手的旋律性，而是用很多实验性质的元素拼贴在流行歌曲中。另外，Charli今年极具话题度和好评如潮的单曲《Boys》并没有收录在这张Mixtape中，撸主猜想这首歌应该是属于她新专辑的平行宇宙。

如果按照唱片公司的套路，Charli小姐本应该交出一些《Boom Clap》或《After the Afterparty》这样的Hit曲目来养家糊口，但很明显，她本人大胆超前的音乐理念不允许她这么做。

Harry Styles的这张solo处女作有力的表明了他与One Direction时期的青少年流行乐彻底说再见的决心，哈卷无疑是组合时期五位成员里最会唱的，从嗓音条件方面，他也是最有底气出唱片的，在音乐风格方面如何定位，无疑对他拓展自己的音乐版图至关重要。在专辑发行之前，谁都没想到他居然会以70年代复古摇滚乐为突破口，完全摒弃当今的潮流，为歌迷们带来了一次与众不同的听觉盛宴。

无论是《Carolina》中地道的Blues Rock；《Only Angles》《Kiwi》躁动的根源摇滚和硬摇滚，都有着七十年代美国摇滚乐黄金年代的风韵，《Kiwi》的副歌甚至让人想起了Aerosmith。即便专辑中的几首慢板歌曲在编曲上我们也能听到一些那个年代迷幻摇滚的痕迹，比如主打歌《Sign of the Times》就是最明显的例子，在这首歌中Harry所展示出的强大演唱机能和歌曲本身的反战主题在视野和站位上都超越了市面上的大部分流行歌曲。

打雷的新作整体延续了她前几张专辑的风格，电影配乐一般的氛围，复古迷幻的曲风，醉生梦死的爱恋，以及纸醉金迷的生活；打雷也依然是那个在夏日呢喃着挽歌的复古女伶。

但相较于前作，《Lust For Life》也有了一些细微的改变，比如加入了更多当代Hip Hop音乐惯用的元素，像专辑最出色的歌曲《Summer Bummer》和《Coachella》，808鼓机都是编曲中的绝对主角，Lana试图营造出一种Indie Pop和Trap两种音乐风格跨界交融的奇妙效果，甚至可以往高大上方向解读为Trip Pop的当代升级版，更关键的意义是打雷小姐终于把丧曲唱到黑人兄弟那里去了惹。另外专辑中非常值得推荐的一首是《13 Beaches》，前奏中柔美大气的弦乐，到主歌如梦似幻的绮丽，再到副歌鼓点的爆裂推进，有着十分精致的层次感。

也许是考虑到商业需求，这张专辑请到的客座嘉宾阵容相较以往更加强大，从The Weeknd到ASAP Rocky，都有意向黑人听众群体抛出橄榄枝的态势。而首次与Steve Nicks两代仙女的强强联手，以及与John Lennon遗子Sean Lennon的首次合作，都算可圈可点。

总体来讲，《Lust For Life》算是前作《Ultraviolence》《Honeymoon》的延续，前作的所有优点在这张专辑中也得到了很好的继承；专辑内容上也不再局限于她个人的生活与情感，有相当的篇幅都是在描述在川普政府时期中产阶级的生活与心态变化。很明显，打雷经过几张专辑的洗礼已经形成了一套非常成熟的音乐体系，诟病她音乐没变化的听众难不成让打雷姐给你来上两首EDM坟头蹦迪？

《After Laughter》与Paramore之前的专辑都截然不同，不再是过去青春叛逆的Pop Rock和Emo，而是披上了Ska Rock和New Wave的外套，仿佛让人看到了20年前的No Doubt乐队，就连很多歌中Hayley俏皮的声音和咬字都与当年的Gwen Stefani有几分相似。

虽然专辑的大多数音乐都呈现出ska和Synth Pop欢快跳跃的热带特质，但如同专辑标题“After Laughter”，大多数歌曲的主题都是以欢笑过后的悲伤、焦虑、愤恨、痛苦等负能量为主，音乐形态与内容的反差是这张专辑最独特的魅力。整张专辑把那种bittersweet的情绪和复古的跳舞音乐基调拿捏得十分精准到位，是Paramore职业生涯目前最成熟的一张专辑。

Ke$ha发行这张专辑时，把名字改回了原名Kesha，意在经历了被炒得沸沸扬扬的性侵风波后，她不再是过去那个被公司和制作人操控的电音芭比娃娃，而是选择重新回归内心最真实的自我。很欣慰，这张时隔四年的新专辑《Rainbow》非常成功的达到了预期效果，褪去曾经那身五彩斑斓的电音外套，Kesha就像专辑封面一样，对所有人赤诚相见，毫无保留的把她内心最真实的想法与最想做的音乐呈现给大家，完成了她职业生涯中最关键的一次转型。

这张糅合了流行摇滚、抒情Ballad和乡村以及民谣的专辑突显出Kesha出色的Songwriting能力以及演唱上的潜力。对于这几年她经理的风风雨雨，Kesha并没有像小媳妇一样佯装可怜，梨花带雨；或是泼妇一样撕破脸皮，破口大骂另一位当事人；而是选择直视自己的遭遇，勇敢的爬出过去的泥沼，在音乐的新大陆上抢滩登陆，用内心的善良与正能量驱散不愉快的阴霾。

更珍贵的是，Kesha情真意切的通过自己的故事与遭遇为所有在黑暗中挣扎的人们呐喊发声，让听众们身临其境的感受到她的真实血肉，又进一步为所有女性和少数派群体振臂高呼。经此一役，Kesha由过去享乐主义的恶女Ke$ha成功转型为一名独立自强的女权摇滚战士，犹如凤凰涅槃般浴火重生，让歌迷们见到了她内心最真实最绚烂的彩虹。

即便《1989》在全球范围内都取得了巨大成功，但很显然，Taylor女士的野心并不仅仅满足于此，于是这张承载着巨大reputation压力与风险的专辑就应运而生了。

除去吃瓜群众喜闻乐见的drama戏码，《Reputation》实则是Taylor专辑库中最特别的一张专辑，也确实是她本人最黑化的一张专辑，但这个“黑化”并不是指形象上的转型，而是她曲风的“黑人”化，《Reputation》在歌曲制作上霉霉完全把重心往节奏上去倾斜，来探索一条与以往专辑都大相径庭的路线。专辑在《1989》的Synth Pop 基础上，加入了大量的Trap和Electro-Industrial元素，开拓了更为广阔的音乐疆土。

虽然专辑名为“Reputation”，但里面真正的撕逼戏码并不多，更准确的说，这张专辑是记录着在媒体疯狂的炒作下，名誉对她感情生活的影响，曾经是名誉成就了她，而当负面新闻发生后，恰恰又正是名誉影响了她，“Reputation”是一个复杂辩证的矛盾综合体。很显然，粉丝们想要回那个抱着吉他唱着流畅旋律的霉霉已经不大可能了，她根本不想成为另一个Dolly Porton或Shania Twain，而是流行乐坛新时代的话题性diva。

这恐怕是史上最没有悬念的冠军揭晓了，无论如何比较，《Melodrama》都是这个时代难得的艺术品。Lorde把这张专辑精心制作成了一个11幕的情景剧，专辑以主人公的恋情为线索，分为序幕-热恋-分手-回忆-尾声几个章节，你可以清楚的感受到Lorde的感情从最初悸动喜悦、着迷忘我，到心率憔悴、由爱生恨，再到黯然神伤、心如死灰，最终发展成结尾处的麻木冷淡、游戏人间，与其说我们和Lorde一起经历了一场刻骨铭心的爱情，不如说《Melodrama》投射出所有人在感情世界中的成长轨迹。这种情感共鸣和社会通性就像是电影《阿黛尔的生活》那样，如纪录片一样琐碎而真实，却又像午后阳光下的热吻般炽热美好。

《Melodrama》不仅仅是一张专辑，你可以把他理解为一本小说、一出舞台剧甚至一部电影，听众在听音乐的同时更像是经历了一次完整的观影体验。Lorde讲故事的方式非常具有代入性与戏剧感，除了调用出自己挥洒自如、已臻化境的填词功底，在歌曲演绎上她的情感把控和咬字断句都像是一位话剧演员一样表情丰富、充满张力，而每首歌的编曲也跟随着歌曲情感内核的差异聚焦在不同的乐器上，以追求专辑内容表达上的跌宕起伏与戏剧张力。尤其是Lorde那些变化多端的声音表情，以及在演唱时出其不意蹦出来的语气词和感叹词，让人印象深刻。

Lorde在《Melodrama》展现出来的songwriting功底更是大师级别的，专辑中很多歌曲都打破了流行歌曲ABABB或ABABCB的固有模式，你完全不知道她下一句的旋律或和声是从哪里冒出来，有时甚至刻意打破了主歌与副歌的界限，这种自由感和不确定性就像情景剧（Melodrama）的观影体验一样，充满了大量的戏剧冲突。在歌曲编排上，比起处女专的独立小作坊气息，《Melodrama》中各种器乐Arrangement的层次感与精致感都是当代流行乐中的翘楚，专辑并没有刻意去追求某一类特定的风格，但通篇都笼盖在一种古典式的复古氛围中；更没有随波逐流，去卑躬屈膝适应大众的口味，而是用一套自己独有的音乐体系，突破了时代的桎梏，与当下那些爆款的大路货们泾渭分明。至于那些熠熠发光的绝美填词就更不用说了，Lorde在歌词中运用了大量的排比、比喻、双关，很多句子都有着天才般的想象力。

每一次完整的听完《Melodrama》，犹如读完一部剧本，每一首歌都像是戏剧舞台上的一幕，精彩绝伦，串联成章，摄人心魄，而Lorde就是这部舞台剧的导演、编剧、剪辑兼演员，你在这个年仅21岁的小女孩身上看到的是犹如海啸般的波涛汹涌，她用自己天马行空的想象力、敏锐犀利的观察力以及绚烂多彩的创造力掌控着你的感官世界。放眼整个欧美乐坛，《Melodrama》中的大部分歌曲的词曲编唱都属顶尖级别，而专辑整体所呈现出来的艺术性、概念性、完整性更是无与伦比，是足以当之无愧悬挂在当代乐坛卢浮宫上的时代瑰宝。

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